¿ESTUDIAR TEATRO O SÓLO ACTUACIÓN? (Parte 3)

Por José Ruiz Mercado

Cuántos caminos, cuántas diferencias y similitudes para llegar al corazón del hecho escénico, para entender las necesidades socio-históricas del público y, por supuesto de la escena.

El teatro, se dice, es un acercamiento en directo con el público. Sin embargo, no todo público teatral es para todas las obras. Error decir en la publicidad para todo público. Existen individuos con gustos diferentes.

La educación nos ha llevado a generalizar. A repetir esquemas; a idealizar. A negar nuestra historia, a generarnos mitos. A creer en un nosotros como el principio y fin de todo.

En esta creencia nos desentendemos de las circunstancias externas, del como llegamos aquí. El yo egocéntrico nos lleva a la isla urbana. Desconocemos el significado de la etnocultura; el sentido de país, lo histórico, todo lo entendemos como el universo de lo conocido. Nuestro pequeño mundo. Así, teatro es el que hacemos.

La educación idealista recibida, la ausencia de la sociología, nos impide ver más allá. Nos faltan caminos. México continúa en la dependencia, por eso nuestra educación también, por lo mismo, nuestra educación está lejos de una visión científica y, nuestros gustos se ideologizan.

¿Quién estuvo antes de Rodolfo Usigli? ¿Quiénes y cuáles fueron las aportaciones de los pirandellos? ¿Y el teatro de la Revolución? ¿En dónde queda Marcelino Dávalos?

Todo se nos da aislado. Desconocemos las causas. Sólo vemos la punta del iceberg.  Lo peor, la escuela nos deja un sabor de privilegio. El cual, si nos damos cuenta, cuando salimos, inicia el verdadero conocimiento.

Rodolfo Usigli, en su obra ensayística, escribió acerca de la importancia de leer a Juan Ruiz de Alarcón para entender el teatro mexicano, del barroquismo de nuestra cultura actual.

Seki Sano nos presentó a Stanislavski, a Meyerhold; las técnicas de actuación más adelantadas en su momento. Fernando Wagner hasta escribió un libro fundamental aún buscado por sus excelentes aportaciones. Pero faltaba un teórico. Alguien que estudiara la historia del hecho escénico. Allan Lewis contribuyó en este aspecto.

Allan era doctor en filosofía por la Universidad de Stanford; fue jefe del Departamento de Artes Teatrales del Bennigton College Vermont. Todo en la época del Macartísmo en Estados Unidos, después de la segunda guerra mundial. De ideas socialistas, fue deportado de su país natal por considerarlo un peligro.

A su llegada a México, fue profesor de historia del teatro en la UNAM. Era el periodo de Adolfo López Mateos. Publicó dos libros, uno en Porrua, el año de 1954: El Teatro Moderno. Con esto se generó la propuesta completa en la educación. Fue deportado de México por las mismas causas.

Como dato curioso Google no lo tiene registrado, pero sí, a un beisbolista. En amazon.es, el libro antes citado cuesta 14 euros. Así las cosas. Seguimos con miedo a pensar. Aún nos faltan muchos caminos por recorrer.

José Ruiz Mercado

Dramaturgo, escritor, director, actor y docente.

Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte. Autor de numerosos libros de poesía, teatro, narrativa y ensayo.

¿ESTUDIAR TEATRO O SÓLO ACTUACIÓN? (Parte 2)

Por José Ruiz Mercado

Cuántas cosas, cuántos caminos, cuántas diferencias y similitudes para llegar al corazón del hecho escénico. De esa comunión actor espectador, directa, sin intermediarios. El público acelera el ritmo cardíaco del actuante y éste a su vez proclama el aplauso con un lenguaje entendible para ambos.

Entonces requerimos de un público sensible. No cualquier público, sino aquel que produce la socialización. Claro, eso jamás escuché en la escuela. La exaltación al arte; por el simple hecho de estudiar ya éramos los superhéroes. Pero el engaño era mayor, no habíamos estudiado teatro sino actuación, así, listos para un director dictador, y ésta manera de hacerlo, también es un estilo. Dogmático, pero estilo, al fin de cuentas. Se habló de los universales, de lo inamovible. Se dijo de Europa, se habló una y mil veces de la obra bien hecha. La historia y la sociedad estaban fuera del parámetro. Las reglas de actuación, como un látigo. Entonces comprendí, en parte, el por qué dije en algún momento, chida la obra.

Cuando un estudiante modelo se ve ante éste y otros dilemas el mundo se le viene encima. Más de una ocasión escuché, ya no sé dónde, de Rodolfo Usigli como el padre del teatro mexicano. También escuché de Hidalgo como el padre de la patria. Pero nadie me supo decir porque.

Me hablaron de Seki Sano como maestro de generaciones. Su técnica de actuación. Sus aportaciones en el terreno autoral. Incluso se dijo de varios directores, quienes habían recibido sus enseñanzas. Ernesto Pruneda fue uno de ellos. Al tiempo supe de un momento cumbre del teatro en la UNAM. Seki Sano había estado ahí.

Todo parecía como el escenario de los dioses del Olimpo: Rodolfo Usigli, Seki Sano y Fernando Wagner, de alguna forma, los iniciadores de un movimiento clave para el teatro nacional. Sin embargo todo parecía un hecho aislado. Algo faltaba.

México, pareciera un lugar común, es un país del momento. Su gusto festivo es una representación de lo oculto. De esa simbiosis cultural, la cual intenta disimular en un eurocentrismo falso, oculto, religioso. Dependiente del país del norte.

Oculto, en un idealismo, magnifica el trabajo artístico ensalzando al copista. Ésta ha sido la tónica educativa en la enseñanza del arte. No es lo mismo enseñar para el arte, que enseñar por el arte. En lo primero, por un lado, el idealismo teórico, por el otro, la ausencia de la historia, la sociología, la psicología. El teatro, al ser una presentación viva (su público está ahí, reacciona, se muestra en el aplauso, en la risa o el murmullo)

El conflicto se magnifica. La ausencia de público en las salas. Los gustos (tanto por el montaje de ciertas obras como por el público que las consume) ¿Qué tanto sabemos de nuestro público si está vedado el estudio socio-histórico en nuestras aulas?

José Ruiz Mercado

Dramaturgo, escritor, director, actor y docente.

Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte. Autor de numerosos libros de poesía, teatro, narrativa y ensayo.

¿ESTUDIAR TEATRO O SÓLO ACTUACIÓN? (Parte 1)

Por José Ruiz Mercado

Una vez me contaron el como hacemos lecturas. El mundo lleno de lecturas. Mi realidad no es tu realidad. Ni todos somos personas, hay más gente. No entendí. Me habían dicho, eso de leer, relacionado con las letras, pero, ¿lo otro?

La sorpresa, para mí, fue mayúscula, aún más, con la diferenciación entre gente y persona. La realidad es un todo inalcanzable, sólo alcanzamos a percibir una parte; creer en esa percepción como el todo, es ideológico.

Ahora sí, no entiendo, dije; fue cuando me adentré en el teatro (¿o fue al revés?) Porque enseguida me llegó lo de ficción y realidad. Lo primero es cuando un autor hace la lectura de su cotidianeidad, tal como lo hace el historiador. Luego entonces, cuando se habla de ficción es la lectura de lo cotidiano.

Tamaño problema. Sólo faltaba mencionar lo del analfabeta. Su tipología. Cuando se mencionó lo del analfabetismo técnico hasta lo entendí. Me sentí seguro. Pero luego vino lo del emocional. Me perdí. Tantos conceptos juntos no eran para mí.

En mi etapa de estudiante, debo decir, tampoco lo entendí, eso no importó, memorice todo y hasta fui un alumno ejemplar. Sin saberlo entré al ejército de los analfabetas funcionales. Eso tampoco importaba; ya tenía mi papel en donde se me acreditaba como licenciado en artes escénicas.

Después del susto, desconocía si era gusto, formamos un grupo. Todos licenciados. Vino la entrevista de rigor, y la pregunta ociosa ¿Cómo ve el panorama del teatro? ¿Qué cómo lo veo? Entonces me enteré que jamás había visto una obra, salvo las de la escuela en dónde la gran crítica era ¡Te salió chida! Para los amigos ¡Pinchi obra! Para los otros. Entonces me llegó la pregunta ¿Aprendí?

No fue en la escuela donde supe esto de las lecturas. Fue con un director teatral quién en un análisis de personaje dijo: El personaje tiene una vida. No es mi vecino, ni el de ninguno de ustedes. El personaje existe ¡Sopas! En el aula me dijeron lo contrario.

La idea en abstracto. Algo hacía falta. La búsqueda de la verdad. La verdad escénica ¿Cuál? ¿En dónde? Uno de los actores del grupo mencionó la palabra clave ¡Estilo! La verdad no es una. Es la lectura a la escena. Ahí inicié la búsqueda.

El grupo crecía y yo sin ellos. Las interrogantes también. Los conceptos no se me daban, o sencillamente no los entendía. La confusión en grande. Deseaba saber, pero, el camino no estaba para mí. Entonces busqué en otras áreas.

Me dije. Iniciemos en reconocer el lenguaje para continuar con la revisión. Crítica, análisis, teatro, dramaturgia. No nos perdamos para irnos directos al tema. Teatro es el espacio, la relación directa entre un público y quien actúa.

Todo estudiante de teatro ha escuchado la frase: El teatro es la conjugación de todas las artes. Lo repetimos gozosos de ser el ombligo del mundo. Pero, cuando nos hablan de pintura, o de música, respondemos gloriosos, soy de teatro. Cuántas cosas. Cuántos caminos sin recorrer cuando  se está en la escuela ¿Estudié teatro o sólo actuación?

José Ruiz Mercado

Dramaturgo, escritor, director, actor y docente.

Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte. Autor de numerosos libros de poesía, teatro, narrativa y ensayo.

Los View Points de Anne Bogart

Por Ignacio Ayala

En las puestas en escena de Anne Bogart hay algo muy poderoso en el movimiento y en la presencia escénica de los actores. Me recuerda, en cierta forma, al Theatre du soleil o al Brook del Mahabarata”.

Abraham Celaya

Es una técnica muy ligada con el Susuki que principalmente te enseña a escuchar.

Hay tres clases de directores

  1. El director Hermanastra de cenicienta – El que tiene un concepto, algo que quiere decir, y forja la obra a la medida de el mismo, sin importarle si los elementos que tiene se acoplan a eso.
  2. El director agente de tráfico. – Con escenografías espectaculares, estos directores solo marcan al actor desde el movimiento y la ubicación que tienen que tener en el escenario. Mueven a los actores por el espacio.
  3. El director del cuerpo y del espacio.  – Tiene una impronta social y política. considera que en el escenario todos tienen algo que decir y dejan que el actor participe activamente en la propuesta escénica. Sabe lo que quiere, pero no como lo quiere, busca que el actor sea un intérprete.

El actor es traductor de los pensamientos de los dramaturgos, de los porqués de la sociedad para la que se está actuando. Todo esto puede ser expresado por los cuerpos de los intérpretes, la manera en cómo se relacionan, sus voces, la relación de esto con la escenografía, el escenario, y todo esto desde el punto de vista del público.

Los puntos de vista escénicos es un lenguaje que puede expresar todo lo que la imaginación le dicte a quien trata de expresar algo.

Los view points son como el juego EXIN de piezas para construir. Con las mismas piezas cada director construye cosas diferentes.

Es como con la música, con ocho notas musicales, tienes posibilidades infinitas de composición

Elementos

  • TIEMPO DRAMÁTICO -Tempo, duración, repetición.
  • ESPACIO – Forma corporal, gesto, relación espacial, arquitectura y topografía escénica.

Elementos de acuerdo a mi apreciación.

  • DANCISTICOS – Cinestesia y acción.
  • MUSICALES – Repetición, Tempo.
  • TEATRALES – Relación y música.
  • ESPACIALES – Espacio escénico, arquitectura, Forma.
  • SIMBóLICO – Gesto social. Y palabra.

Con los puntos de vista escénicos tenemos – porque lo necesitamos – un lenguaje que nos permite interpretar las vicisitudes del alma de todos los participantes en las producciones, las cuales dirigimos, y por supuesto representar las vicisitudes de nuestra propia alma.

Con los view points hay una dirección clara y decisiva, pero al mismo tiempo parece que no hay una dirección. Hay un vocabulario acordado de antemano y que a primera vista es totalmente impenetrable pero que parece ser simple.

Los objetos y el mobiliario encuentran un uso diferente, el espacio se convierte en un personaje, los clichés en una metodología reveladora. Abunda la dramaturgia, la composición visual. Es danza realizada por los actores al servicio de la dramaturgia.  Establece un diálogo con otras teorías teatrales sin que se cree conflicto.

Los view points le devuelven al actor el control de su proceso creativo y los convierte en colaboradores, se sienten menos inhibidos y más efectivos para proponer.

¿Cómo crea Anne Bogart los View points?

  • No es condescendiente con el público. No busca hacer entendible la puesta en escena
  • Piensa que la responsabilidad del artista es restablecer el potencial del misterio, que el lenguaje ha desechado. La función del arte es revelar las preguntas que han sido escondidas por las respuestas
  • Piensa que el caos puede ser utilizado para crear belleza y un sentido de comunidad.
  • Piensa que el teatro tiene la función de recordarnos las grandes cuestiones humanas, recordarnos el terror de nuestra humanidad.
  • Piensa que el arte crea formas que dan esperanza a nuestra ansiedad.

 

“Quienes trabajan desde una posición de miedo buscan seguridad, quienes trabajan desde una posición de confianza buscan libertad”

William Hurt

Por eso para Anne Bogart las decisiones más dinámicas y emocionantes se hacen cuando se confía en el proceso, en los artistas, en el material con el que se trabaja. Se trabaja para crear un teatro lleno de terror, belleza, amor y fe en el potencial humano íntimo para el cambio.

La inseguridad que aqueja al director al principio de cada proyecto, en los VIEW POINTS, se ve acrecentada porque en medio del proceso cuando aún no hay nada, ni auténtico ni apropiado, cuando todo parece artificioso y acartonado te salen mil dudas. Pero poco a poco después de un proceso de estira y afloja entre director y actores van surgiendo elementos y formas que emocionan el ojo del director-espectador

Para Anne Dirigir no es imponer, no es tener las mejores ideas; Dirigir es sentir, es estimular, es sentido del espacio y del tiempo, es riesgo, solo viendo la dirección de esta manera dejamos de imitar lo que ya está hecho.

Cuando dirige no se sienta, presta atención a los estímulos que el escenario le da a su cuerpo y al cuerpo de los actores.

Dirigir implica riesgo, crear una crisis que nos obligue a saltar al vacío. El potencial de crear yace en el desequilibrio y el fracaso.

El aspecto primordial para un trabajo escénico no radica en si es bueno o malo, o si responde a la corriente de su época. Lo esencial es que sea vital; ¿Y cómo se logra?

Con Articulación, Energía y Diferenciación.

  • Articulación de los elementos de la escena de manera orgánica, como se origina la naturaleza, en la aleatoriedad, en el ensayo y error.
  • Energía compartida en la escena, energía que provoca, que fluye.
  • Diferenciación de cada elemento que ofrece la escena, diferenciar uno del otro para potencializar cada uno, diferenciar cada momento del siguiente para ser impredecible, para sorprender.

El actor no tiene que estar de acuerdo en todo con el director, porque así solo se consiguen espectáculos poco auténticos y sin vida. Lo mejor es aceptar sus sugerencias pero que el actor-creador las integre a su sistema, que llegue a ellas con su propio punto de vista, que sugiera, que, de alternativas, que cuestione, que examine posibilidades.

Para expresar sentimientos hay que adentrarnos en ellos, para asombrar hay que asombrarse de la misma vida.

La técnica de View Points, parte de principios naturales que hacemos cotidianamente, por eso nadie la inventó. Es una técnica que hay que aprenderla y apropiársela.

Trabajo Base.

Son actividades para ponernos en contacto emocional con la colectividad. Es una manera de tocar con el alma el tema, es entender los problemas y el corazón del material.

El trabajo de base nos ayuda a generar una pregunta en torno al proyecto, obra o espectáculo que vamos a realizar.

Es conocer el tema, su relevancia, contexto etc. Se puede hacer a través de libro o películas que hablen del tema, música de la época, visitas a lugares. Es proporcionar un tiempo espacio del tema para que todos los colaboradores se contaminen de él.

Es un punto de origen, un sentimiento, una pregunta, una foto, un recorte

El trabajo base, tiene como objetivo despertar la imaginación de los actores y para que ellos comiencen a crear un vocabulario para su propio mundo de la obra.

Puntos de Vista Escénicos (PVE)

Es un conjunto de nombres que se dan a ciertos principios básicos de movimiento. Estos nombres proporcionan un lenguaje acerca de lo que sucede o funciona en el escenario.

  • Respuesta Cinética. – Reacción espontánea al movimiento. Reacción instintiva al estímulo (Solo trabajado el movimiento)
  • Acción- Movimiento definido con un objetivo. Salto, acostarse, caminar (acción unida al movimiento)
  • Repetición – Volver a hacer algo en el escenario, que se había hecho. A) que yo hice, B) Que hizo el otro
  • Tempo – Rapidez o lentitud con lo que sucede en el escenario. La energía no disminuye, disminuye el movimiento.
  • Relación – El contacto visual con el compañero usado como estímulo.
  • Música – Establecer el tono o situación que origina el movimiento a través de la música.
  • Espacio- Relación entre las cosas que habitan el espacio. Un cuerpo con otro cuerpo, con un grupo de cuerpos, un cuerpo en el espacio.  (Movimiento en torno a la cercanía, lejanía)
  • Cartografia- El dibujo que creamos en el suelo. Jugar con los diferentes espacios
  • Arquitectura-  El espacio físico donde habitamos afecta nuestros movimientos. Dialogar con el espacio y que este nos ayude a evolucionar nuestros movimientos, podemos incluir:
  1. Masa solida como paredes, techos, suelo, mobiliario.
  2. Textura de los espacios- niveles alto medio, bajo, colores
  3. Luz, puntos de luz y sombras.
  • Forma- Configuración del cuerpo en el espacio. Puede ser, línea, curva o mixta.
  • Composición – Forma en conjunto dentro el espacio. Puede ser cuerpo en el espacio. el cuerpo con la arquitectura o el cuerpo con otros cuerpos. Es un poco hacer lo que hacen los pintores que cuentan una historia con una sola imagen.
  • Gesto – Movimiento que se hace con una parte del cuerpo, puede ser
  1. Gesto social o de comportamiento. Algo que incluye ya un significado como un dedo sobre la boca que significa silencio. Habla del personaje, circunstancias que lo rodean, etc.
  2. Gesto expresivo. manifiesta estado de ánimo representativo de una emoción. Como apretar los puños y fruncir la boca para indicar que se está enojado. Indica la situación que se vive
  • Palabra-  Trabajo sobre el uso de la voz, y el peso de las palabras.

Fomentar y remarcar el uso de todos los elementos, cuando se vaya avanzando y la escucha a la propuesta del compañero. Se pueden hacer ejercicios solo seleccionando algunos PV, para afianzar el uso de todos los elementos. (Gesto, tempo repetición)

Es importante generar en el alumno, una manera de codificar con elementos, es decir, primero liberar el juego, después explorar todas las posibilidades y luego preguntarse ¿Cómo volver a codificar, conectar cuerpo con mente?

Composición

Es la acción de seleccionar y ordenar en el escenario los distintos componentes del lenguaje teatral en un trabajo artístico coherente.

La composición nos da una estructura para trabajar desde nuestros impulsos. Es una metodología para generar, definir y desarrollar el vocabulario teatral que se utilizará en una una determinada obra. Es seleccionar que funciona y que no funciona.

La composición son tareas que damos a la compañía para crear piezas cortas, específicas que tocan un aspecto determinado del trabajo.  La composición involucra a toda la compañía en la generación de material de creación para luego seleccionar y editar.

La tarea incluye una intención general o estructura, a la vez de una lista considerable de ingredientes que deben formar parte de la pieza. Esta lista es el trabajo en bruto del lenguaje teatral que utilizaremos en la pieza, tanto los principios que son útiles para la escenificación, como los ingredientes pertenecientes específicamente al mundo de la obra que estamos trabajando.

El orden o la estructura de los elementos establece el significado.

En la composición es precisamente donde aplicamos la interdisciplina, usando principios de otras disciplinas artísticas para utilizarlos en el escenario.

Ejemplo de trabajo de composición.

  1. Divididos en grupos de cinco cada uno va crear una pieza de 6 minutos, con un principio y un final claro, que hable sobre el tema a trabajar
  2. Se divide la pieza en tres partes, con principio y final claro, cada una separada de la otra con un elemento que refuerce la transición titulando cada una con un aspecto del tema en que se puede trabajar
  3. Los elementos de creación que debe tener tu pieza. (Usar todos los VIEW POINTS, tener un escenario en una parte del edificio que sea el entorno apropiado para tu pieza, darle un rol claro al público, usar un objeto que revele, uso de contrastes, los textos a utilizar)

Ignacio Ayala

Actor de teatro cine y televisión.
Maestro de actuación.
Escritor de sueños. Creador de imágenes para la escena.
Compartiendo mis logros y mis locuras.

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El Consejo Estatal para la Cultura y las Artes (CECA) es un organismo público desconcentrado de la Secretaría de Cultura con funciones deliberativas, propositivas y de consulta, que funge como espacio de vinculación entre las autoridades culturales y la sociedad. Su creación se da junto con la publicación de la Ley de Fomento a la Cultura, en 2000 y entra en funciones en marzo de 2001. Sigue leyendo “Conoce mas del Consejo Estatal para la Cultura y las Artes #CECA”